5. 《时尚色彩》：俄罗斯的展览活动和国内的展览活动有什么区别？
     冯老师：俄罗斯有一个很大的文化艺术中心广场，展览很多，多数还是当代艺术作品，平均20天有一个新展览，不断的，很早提前就有海报出来，你直接可以知道很多展览信息，装置的、抽象的、各种材料的、也有设计方面的，气氛很活跃，风格多样，因为不间断，人们会不时去那里看看，也给朋友带些信息回来，不同风格喜好的人都可以在那里看到自己感兴趣的东西，气氛很好。俄罗斯的博物馆比较传统经典的作品展览也很多，还不是一成不变的，常常翻新，会把过去的藏品有计划地拿出来展览，还有和德国、英国等等博物馆的交流展，都是世界性的经典藏品，经常可以看到。此外，他每年有两次大型的春秋艺术博览会，在红场旁边的马涅什博物馆，每年固定时间固定地点，专门的但是很商业化的艺术展览，办了很多年了，有效促进了艺术品的交流。现在我们国家也不错，博览会、商业性的、专业性的展览都比较多起来了，特别是杭州，我们的博物馆美术馆展出精品都是免费的，政府也通过很多渠道和政策鼓励创作，有了比较好的外部条件环境。

6. 《时尚色彩》：您能说说在油画技法上国内外有什么不同？您现在有没有形成自己的风格？
     冯老师：油画是西方绘画，技法多样，传承年代久远，就像我们中国画在中国有着很系统很科学的技法流派，油画在西方也是一样。早期的坦培拉、蛋彩、湿壁画、古典油画，都属于作坊、画坊形式的东西，各个画坊有各自独特的技法和材料，他们为了使色彩更有透明感，甚至使用贝壳、琥珀等研磨成粉，调媒介剂作画，有的媒介剂也是不一样的，比如维米尔就是因为发明使用了“神膏”而使他的作品呈现出与众不同的透明与晶润效果。各画坊的制作严谨，规矩讲究，不同的材料与技法步骤，造就了不同的作品风格，对地区甚至国家的画风影响很大，我们看法国、英国、荷兰、俄罗斯等他们的油画就是完全不同的风格表现。到19世纪法国皇家美术学院的出现，才公开把材料技法作为系统科学的一门课程，使学生可以系统地进行学习。国内研究材料不够讲究，步骤不够严格，画面不够精致。过去国内油画与水粉画比较接近，改革开放后，开始引进一批国外专家如法国巴黎美术学院宾卡斯、伊维尔教授来讲授技法，推动了画家对材料的重视。随着科技发展，现在材料更加多样，尤其当代画家使用材料的热情更加高涨，表现更为大胆，我认为更需要系统严谨地了解和学习相关知识，才能创造出更加讲究的精品。我现在没有刻意去树立一种什么风格，感觉这是和人品、性格、经历、审美倾向有关。以前我也很苦恼，总想是不是应该变形、应该更当代、更民族化、形式感是不是应该更强一些。后来去了俄罗斯，发现我没有必要去刻意改变，艺术家的心态应该是最接近自然的，画如其人，功夫在画外，多交流学习，多关注生活，态度认真，作品的内涵会随着你的修养而丰富厚实起来。现在我认为是有我自己坚持的东西，想表现油画庄重、厚重的美感。题材上比较倾向于人物画和田园风景，人物画女性题材居多，风景画相对比较写实，都表现唯美、恬静的感觉，画面淡雅些，追求色彩丰富，表现相对轻松。

8.《时尚色彩》：您是如何看待艺术和时尚两者之间的关系的？

     冯老师：“时尚”的感觉是比较“潮”的、年轻的、前卫的，更多和摄影、模特、服装、装饰设计等联系在一起。认为时尚是一种概念，多体现在文学思潮、设计生活中。但是绘画中也有时尚。过去因为我们封闭，绘画中的时尚体现为一阵跟风，50年代是苏派，苏联的传统写实影响了我们艺术教育各层次，改革开放初期，80年代因为我们缺少技术，引进了宾卡斯，兴起古典风，我也是那时候手古典风和苏派艺术的影响选择了写实绘画，而且有幸被选中到了美院的古典第一工作室。后来引进怀斯，他的淡彩、超写实，又造就了四川小画派等兴起一段时间的伤感美术。时尚在不同时代不同社会阶段是不同的，是不断在变化的，但艺术不能总是在变化，它发展是循序渐进的，有着稳定的基础和内涵，能引领时尚带动潮流，是社会文化素质的体现。绘画中的一阵风，来的时候大家都在画这些，不在这个风中的就属于陈旧了，落伍了。这种观念是很不好的现象。艺术应该是你什么性格就做什么，画如其人，像安格尔和凡高，他们是同时期的，但艺术风格完全不同，如果你让安格尔去画凡高的东西，他一定苦不堪言，而凡高要画安格尔的也会很痛苦。艺术风格是多样化，应该并驾齐驱的。总之艺术特别是绘画，追求的是美感，需要慢慢品味，不时突然变化的，跨度也不会太大，针对单个的艺术家，他的成长一定是循序渐进自然而然的。另外艺术需要慢慢品味，艺术家不要过于关注时尚，但也不能拒绝时尚，因为他对生活的影响是很大的，时尚是大众化的与市场有关联，也是艺术的表现题材之一，可以带给艺术家新的灵感。时尚是有文化的通俗的，时尚的东西一定富有设计感，在设计中体现美感，体现艺术性。时尚当中的精品一定是艺术性比较多的然后才会留传比较久。时尚设计师的审美水平很重要，能欣赏和辨别美，美的东西要让人一看就能感觉到，不需要去解释太多，一件设计作品，不是说观众来了，你一遍一遍解释我这样设计是什么意思，表达了怎样的观念，不说人家就不知道你做的是什么东西。绘画我觉得更是这样，要传达的东西和情感就在作品本身，如果好，观众会自己走进去，自己去想象去了解。有一位企业家买我的画挂在家中，一幅很安静的风景画，他说每天出门或回家都想回头看一眼那幅画，心一下就静下来了。我觉得很感动也很激动，有了更大的创作动力。

9. 《时尚色彩》：能谈谈您是如何理解“色彩”这个词的？

     冯老师：我认为“色彩”是有情感的，会影响人的心理。色彩还具有偶然性，你发现到了有感觉时可以画得很好，没有感觉时即使颇有建树的大师画的作品也会流于平庸，不同于素描。 “色彩”有媚俗和典雅之分，与她的取量和材质有关系，比如“大红大绿”是民俗化的，而“万绿丛中一点红”会让人感觉美妙醒目。色彩还是第一感觉，给人的刺激更直接，我爱人去买衣服，她说第一眼吸引的肯定是颜色，颜色在不同质地上会产生不同的质感，然后才会注意到款式价格等其他方面。另外我们看一些时尚杂志、期刊的时候，也总是首先被它的排版配色、样式所吸引，接下来才会关注内容。其次绘画的色彩与工艺的色彩是有区别的。工艺色彩是平涂的，为了便于印刷，而且用色更多目的是为了迅速吸引眼球。而绘画色彩是需要慢慢去品味，它更强调色彩的肌理效果和节奏感，要体现画家的激情，要具有画种特性。现在我们国家经济发展，设计优先，也使许多油画作品倾向于更多设计味，色彩很艳丽，夺人眼目，但缺少了些厚重感和艺术性。去年上海艺术博览会，一位国外的朋友回来看了很诧异，奇怪国内的绘画展怎么变成了招贴展了，缺少经得起近距离细细品味的作品。还有一点，“色彩”是有深度的，可以不断去挖掘。像我们中国画的色彩就很好，由于最早产生于士大夫、文人，它更讲究雅致的色彩，与诗词、意境等有关联，所以即使墨也能分出五色，很有层次和感情。我近期研究的印象派和纳比画派，发现他们就在色彩上挖得很深，但是又各不相同，而且乐在其中，甚至迷恋，也造就了像莫奈这样的色彩大师，像法国的修拉、希涅克，他们的用色全部是纯色，纯度很高，但放在一起画面却很灰，呈现出非常明快雅致的效果，有极强的色调感。我在国外见到原作还临摹过，深深被震撼，我感觉掉进色彩的世界里，能给人带来快乐和激情。